Son las nueve de la mañana de un domingo convencional de 1995. Tienes tu taza llena de cereal con leche, un spot caliente entre la cama y el control remoto de la Trinitron de tu mamá entre tus manos, pues, como ya lo sabías - el que tiene el control tiene el poder.
No puedes apartar la vista del televisor, a pesar de escuchar que tu perro ladra sin cansancio a todo lo que cruza cerca de la ventana - Guau, guau, guau - En la pantalla toda suerte de animales parlantes, universos enrarecidos pero familiares, aventuras junto a seres misteriosos salidos del armario que te hacen gritar de la emoción, openings que coreabas de principio a fin quedándote sin aliento, peinados, coreografías, trajes e incluso experiencias psicodélicas que solo entenderás con los años.
Han pasado los años, pero aún recuerdas con emoción esa serie animada que nunca pensaste tuviera fin y te preguntas: ¿cómo llegaron a ser tan importantes y verosímiles aquellos dibujos animados con los qué crecimos? ¿cómo logramos dar vida a esas, a veces coloridas, representaciones de personajes imaginarios?
Una de las respuestas está justo frente a ti, frente a un espejo: Se trata del estudio del movimiento y de la física inherente a él, gracias al que hoy podemos tener personajes que nos hacen reír y llorar.
¡Animación, animación y más animación!
¿Qué son los principios de animación?
Los principios de animación son una serie de lineamientos desde los que se puede pensar un tipo de animación mucho más realista, que se apega un poco más a las leyes de la física, aunque sin excluir valores más abstractos inherentes a cada estilo de animación y personajes.
En 1981 los animadores Ollie Johnston y Frank Thomas de Walt Disney Animation Studio presentaron el libro “The Ilusion of Life: Disney Animation” donde explicaban los “doce principios básicos de la animación” como resultado del trabajo de animación que adelantó este estudio desde 1930. Para muchos The ilusion of life es el libro sagrado de la animación.
Aunque originalmente estos doce postulados fueron pensados para usarse en animación tradicional, también pueden ser usados en el diseño de experiencias interactivas a la hora de crear transiciones, botones y reacciones a la interacción con la interfaz digital.
¿Y cuál es la importancia de los principios de animación?
Estos son importantes porque son la base del trabajo en animación y son relevantes para un número de diversos áreas, por ejemplo, al introducir algún elemento de movimiento en tu interfaz de animación CSS.
Aplicar estas técnicas básicas de animación hará tu trabajo profesional y con mucha calidad. A continuación, te cuento cuáles son los 12 principios de animación que debes aplicar.
Los 12 principios de la animación con ejemplos de Disney
1. Estirar y encoger
Animación: Cento Lodigiani
El principio de estirar y encoger es el primer postulado con el que se busca crear la ilusión de características físicas, como masa y volumen, en personajes u objetos en movimiento, que se consigue comprimiendo o estirando los mismos.
Después del estiramiento o compresión los objetos o personajes regresan a su forma original, como la gelatina. Esto funciona porque le da la sensación a la audiencia del impacto gravitacional que experimenta el personaje. Este principio se puede evidenciar desde el rebote de una bola hasta una persona en movimiento.
2. Anticipación
Animación: Cento Lodigiani
Gracias a este principio puedes decirle a la audiencia que una acción va a suceder en un lugar y en un momento específicos. Es la preparación para la acción o movimiento principal, que puede verse de diferentes maneras. Por ejemplo, ¿podrías imaginar el lanzamiento de una bola de baseball sin pensar en estirar tu brazo hacia atrás?
Del mismo modo, una animación que no integra un pequeño momento de anticipación puede parecer sin vida o poco verosímil.
3. Puesta en escena
Animación: Cento Lodigiani
Este principio se basa en el concepto de “Puesta en escena” propuestos por el cine y la televisión, en el que se subraya la importancia de dirigir la atención de la audiencia sobre los elementos más importantes en la escena. Este concepto pude ser ignorado o subestimado, pero puede potenciar nuestro relato cuando se usa adecuadamente.
Algunos de los elementos que se tienen en cuenta en la puesta en escena son el encuadre, la posición del personaje en cuadro, la luz y la sombra, como sus acciones. Es importante siempre trazar una guía de movimiento para dirigir la mirada de la audiencia sobre los elementos vitales sin que pierda su atención.
Algo que no se recomienda en la puesta en escena es desarrollar muchas situaciones simultáneas en la misma escena. El fondo y la animación deberían funcionar en conjunto como una unidad pictórica en la escena.
4. Animación directa y pose a pose
Animación: Cento Lodigiani
Hay dos maneras de enfrentar la animación con dibujos: animación directa o pose a pose. Cada una tiene sus beneficios y los dos acercamientos se combinan usualmente. La animación directa implica dibujo cuadro a cuadro desde el inicio hasta el final. Si lo que se busca es fluidez, movimientos realistas, la animación directa es la mejor opción.
Con la técnica pose a pose, puedes dibujar el cuadro inicial, el cuadro final y algunos fotogramas claves en medio. Luego, regresas al inicio y completas los fotogramas restantes. Esta técnica te da un poco más control de la escena y te permite aumentar el efecto dramático del movimiento.
5. Acciones complementarias y superpuestas
Animación: Cento Lodigiani
Cuando un personaje u objeto tiende a detenerse, no todo lo que está asociado a él se detiene.
Habrás visto en muchas animaciones como el cabello de un personaje que corre y se detiene, sigue en movimiento después de esta acción. Aquí, los elementos secundarios están siguiendo a la acción principal. Esto ayuda a dar un look mucho más realista a la animación.
6. Acelerar y desacelerar
Animación: Cento Lodigiani
Este principio parte de la idea que ningún objeto pasa del reposo absoluto al movimiento continuo instantáneamente, todos los objetos necesitan un breve lapso de aceleración o desaceleración.
En ese sentido, el inicio y final de una acción son detallados con más cuadros para dar la sensación de arranque o frenado de manera más natural.
7. Arcos
Animación: Cento Lodigiani
Casi todos los objetos, incluidos los humanos, se mueven en trayectorias circulares más que en línea recta. Este principio se construye sobre esa noción. Cuando una cabeza se mueve o un brazo se aleja, tiene un movimiento en arco adherido. La velocidad del arco es importante también, a veces imperceptible pero a veces fácilmente reconocible.
Los arcos operan a lo largo de una trayectoria curva que agrega la ilusión de vida a un objeto animado en acción. Sin arcos, las animaciones se sienten rígidas y mecánicas.
8. Acción secundaria
Animación: Cento Lodigiani
Todos los gestos que son agregados a la acción principal o primaria son llamados acciones secundarias. Estas acciones agregan personalidad y dan una dimensión mucho más profunda del personaje dándonos más pistas acerca de quién es, qué piensa o qué hace.
También son acciones que sirven para subrayar la acción principal y que se agregan generalmente al principio o final de un movimiento.
9. Cadencia (Timing)
Animación: Cento Lodigiani
Volvamos a darle un ojo a las leyes físicas para este principio. Cada movimiento puede ser dividido en múltiples fracciones de tiempo, en este caso, cuadros, donde la cadencia está dada en el tiempo de llegada o fracciones de tiempo para completar la acción. Este concepto es muy importante pues incluso un par de milisegundos de más o de menos pueden echar a perder el movimiento.
Este principio puede ayudar a controlar reacciones y estados de ánimo de los personajes.
10. Exageración
Animación: Cento Lodigiani
Demasiado realismo puede arruinarlo todo. Exagerar un poco, agregar elementos surreales e inesperados a la escena pueden darle un estilo único a la animación. La exageración presenta las características y acciones de un objeto de una manera extrema para obtener un efecto cómico o dramático.
Además, la exageración es un gran recurso para hacer mucho más atractivo un personaje y puede mejorar la narrativa de la pieza.
11. Dibujo sólido
Animación: Cento Lodigiani
Este principio invita a la representación tridimensional de elementos en la escena, a dar la ilusión de profundidad y peso a pesar de tener solo dos dimensiones como medio.
Para conseguir con éxito este efecto es necesario entender y aplicar conceptos como el de perspectiva, volumen, peso, equilibrio e iluminación a nuestro personaje y el escenario que lo rodea.
12. Atractivo
Animación: Cento Lodigiani
El último, pero no menos importante de todos los principios es el atractivo. La audiencia tiende a recordar a los personajes que perciben únicos y reales.
Es un principio que busca que las animaciones tengan imágenes mucho más creativas e interesantes para la audiencia. El atractivo puede ser un valor difícil de cuantificar por su condición subjetiva, pero hay algunas nociones que nos permiten llegar a ciertos rasgos sobresalientes.
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Y voilà. Doce principios esenciales con los que hemos conseguido que el mundo de la animación sea mágico y cautivador a lo largo de las últimas décadas, parte de nuestra cultura y aporte a las artes.
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Son las 9 de la mañana de un domingo cualquiera. Termino de comer una taza de granola con fruta. Siento nostalgia. Los gatos en las piernas. Busco en la web “El laboratorio de Dexter” y de repente parece que todo tiene sentido de nuevo.
